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ENSAYO / No. 53


 

Concepto de “aura” de Walter Benjamin



Carla Cohen

 

  

 

 

 

ensayo-cohen-1.jpgEl aura es aquello que hace única a cada obra de arte, “el aura –como apunta Benjamin– está atada a su aquí y ahora”. (69) Es decir que cada obra de arte tiene un tiempo y un espacio determinado que sigue un trayecto a partir de su creación. La obra de arte tiene, según Benjamin, “su unicidad, es decir, su aura”. (49) Cada creación es única, y aunque puedan existir falsificaciones o reproducciones de ella, no puede haber otra que recorra su trayecto espacio-temporal. 

En otras palabras, el aura es un concepto en el que se percibe la esencia de la obra de arte. Es por esto que el aura no es reproducible ni falsificable. No es algo que se pueda tomar en una fotografía, siempre formará parte de la obra en sí.

Benjamin habla de los inicios del arte: “Las obras de arte más antiguas surgieron, como sabemos, al servicio de un ritual que primero fue mágico y después religioso”, y también apunta que “no llega nunca a separarse del todo de su función ritual”. (49) Es decir, que si la expresión artística surgió dentro del contexto mágico, todavía se le atribuyen muchas de esas antiguas cualidades de una u otra manera.

En el ensayo de Benjamin, el cine es considerado una obra de arte en su totalidad, como una unidad de sentido. Un fotograma de una película no puede ser considerado arte por sí mismo, “la obra de arte surge –propone Benjamin– sólo a partir del montaje”. (66) También sugiere que “en la época de la obra de arte producida por montaje, la decadencia de la plástica es inevitable.”(62) El cine tiene la ventaja de poder ser manipulado de muchas formas para lograr un producto muy cercano a la realidad y a lo que el director quiere conseguir. Cuenta con la facilidad de cortar e introducir escenas en cualquier orden. Las artes plásticas, por su parte, se crean de una forma más concreta y menos flexible.

Hay que tomar en cuenta que, desde siempre, la obra de arte ha coexistido con su reproducción técnica, cada vez más frecuente. Este fenómeno inició con el grabado, después surgió la imprenta, seguida por la litografía y finalmente la fotografía. Hay una diferencia entre la falsificación de una obra de arte y su reproductividad técnica. La última necesariamente se hace en serie con ayuda de un instrumento tecnológico, por lo tanto, hoy en día es mucho más eficaz que el trabajo que se hace a mano. En el cine se reproducen las imágenes a la misma velocidad que el sonido.

La reproducción técnica “puede poner la réplica del original en ubicaciones que son inalcanzables para el original”. (43) Permite que la obra se acerque al receptor “sea en forma de una fotografía o de una reproducción de sonido grabada en un disco”. (43) La posibilidad de ello hace que se desvalorice el aura de la obra de arte.

Para Benjamin “lo que se marchita de la obra de arte en la época de su reproductividad técnica es su aura”. (44) Es decir que una reproducción carece de este elemento debido a que es irreproducible. La reproducción es masiva y la sociedad se empieza a mover por imágenes con tal de “acercarse las cosas”, hay una “tendencia a ir por encima de la unicidad de cada suceso mediante la excepción de la reproducción técnica del mismo”. (47) Así que las masas conocen reproducciones de obras inalcanzables para ellos; con tal de tener una aproximación a su imagen, ignoran que ésta carece del aura de la obra original.

La separación del aura se entiende mejor en el cine, porque ahí “el hombre llega a una situación en la que debe ejercer una acción empleando en ella toda su persona pero renunciando al aura propia de ésta. Porque el aura está atada a su aquí y ahora. No existe una copia de ella”. (69) A diferencia del teatro, en donde el actor y la obra están unidos a su aura por ser una interacción directa con su público.

A partir del siglo XIX la obra de arte se confronta con las masas. Esto es un gran golpe que lleva a la crisis de la pintura. También la reproductividad técnica, al separar la obra de arte y el aura, dejó atrás la relación de su “fundamento ritual”. (63) Los artistas deben empezar a buscar nuevas maneras de relacionarse con la reproducción, como en el caso de los dadaístas. “Con los dadaístas, –según Benjamin– la obra dejó de ser una visión cautivadora o un conjunto de convincentes sonidos y se convirtió en un proyecto que se impactaba en el espectador”. (90)

La idea central del texto es que nunca antes se había logrado una reproducción técnica masiva, ni de manera tan independiente de la obra de arte original.  A partir de ahora el arte puede aparecer en cualquier lugar o contexto y las masas se adaptarán a esta nueva aproximación. La reproductividad se logra de distintas maneras, por eso el cine es un muy buen ejemplo: en un solo producto hay reproductividad de imagen y de sonido, aparte de que se busca una representación cercana a la vida real. Con el cine también se pierde el aura que, por ejemplo, el teatro conserva.

Benjamin relaciona la transformación de la técnica con el surgimiento de las masas porque la técnica y la sociedad van de la mano. Las masas tratan de acercarse a la obra de arte por medio de su reproductividad técnica, como consecuencia, la obra pierde su aura, su aquí y su ahora. Después de este cambio el público tiene que tomar una actitud diferente, ya no puede ver al arte como objeto divino o de veneración.  A partir de esto, se abandonan las nociones que había antes de estética. Ya no hay preocupación por la autenticidad de la obra, sino que se busca la imagen en sí.

En efecto, el arte se modificó y los artistas han tenido que reaccionar ante un mundo globalizado, saturado de imágenes y sumergido en los medios de comunicación. El arte contemporáneo es un arte conceptual que está hecho para manifestar una idea o crítica del artista. Son piezas que requieren una explicación, necesitan ser pensadas y procesadas por el espectador. Ira Shapiro menciona que hay aspectos de nuestra sociedad que han estimulado a los artistas a expresarse con formas nuevas, experimentando con todo tipo de medios (8).  También trata el arte moderno: cuando lo vemos, llegamos con pensamientos y patrones de análisis anticuados o equivocados para tratar de entender el arte, porque esperamos que éste sea familiar (8). Hay obras que no pueden absorberse simplemente con los ojos sino que necesitan explicaciones acerca de las intenciones, el punto de vista y el entorno social del artista. Linda Weintrab piensa que el artista contemporáneo rompe con las convenciones que alguna vez fueron consideradas indispensables en el arte. Para ella los artistas están en una constante lucha en contra del ambiente sobresaturado por los medios. Postula que el arte en el siglo XX cambia demasiado rápido y es multifacético. (10)

El problema del arte a partir de la época de su reproductividad técnica es la facilidad con la que puede llegar a perder su aura. La pregunta es ¿cómo solucionarlo? Un buen ejemplo podría ser Marina Abramovic, una yugoslava que nació en los años cuarenta. Ella se caracteriza porque una gran parte de sus performances los realiza mientras se encuentra en un estado de meditación o inconsciencia. Para Abramovic es muy importante la parte espiritual y busca un equilibrio en la coexistencia de la religión con la ciencia, el materialismo, el ateísmo, etc. Sus performances son eventos con una duración variable según la ocasión. Por ejemplo, caminó la muralla china durante noventa días en meditación hasta encontrarse con su pareja que inició el viaje en el otro extremo de la muralla.  Este tipo de expresión no está dirigido a ningún púbico en especial pero queda documentado y justificado con argumentos sólidos para concientizar y luchar en contra de las sociedades sumergidas en la tecnología.

En forma más concreta, lo que le concierne a la literatura es el efecto que la tecnología tiene en el campo literario. Se pensaba que con la llegada de internet el formato de la poesía se revolucionaría y sería muy distinto al de las ediciones impresas. Ahora se sabe que el cambio no ocurrió de esta manera pero sí tuvo un impacto. Mariorie Perloff habla de cómo ahora cualquiera puede ser poeta y escribir versos en un blog o en Facebook sin pasar por un proceso editorial. Algunos poetas reciben un número mayor de visitas en sus sitios de internet que cantidad de publicaciones vendidas. Además comenta cómo los usuarios pueden tomar fragmentos del material, descontextualizarlos y publicarlos en otros sitios. El verdadero efecto que ha tenido el internet en la poesía es que la relación entre el autor y el público se ha modificado de manera radical. Ahora es mucho más común la interacción casi inmediata del uno con el otro.

Como ejemplos se puede mencionar a los poetas Rafael Courtoisie o Augusto de Campos. Rafael Courtoisie tiene un blog en el que publica algunos trabajos de poesía, narrativa, entrevista y ensayo; también contiene información biográfica y sobre los premios que ha recibido. En su página de Facebook publica algunos de sus poemas y comparte fotos de eventos a los que asiste, manteniéndose en contacto con sus seguidores. Mientras que Augusto de Campos tiene un enfoque diferente; él publica en su página de internet, www2.uol.com.br, poemas que tienen letras con animación, sonido y cambio de colores. Estos poemas juegan con el movimiento para generar imágenes que no se pueden imprimir, los sonidos también son importantes.

La reproductividad técnica cambió la forma en la que se hace y percibe el arte, provocó una separación del aura y la obra. En ese momento los  artistas empezaron a buscar maneras de mantener el aura, tan difícil de conservar, en las obras de arte. En el caso de la literatura, algunos autores han tomado los medios como una herramienta útil para alcanzar un mayor número de lectores. De esta forma se ha logrado una mayor interacción entre los autores y su público. En el caso de los poemas animados de Augusto de Campos; su obra nos ayuda a explorar nuevas formas de relacionar la imagen y el sonido con la literatura. Ahora que nos encontramos en un mundo sumergido en los medios, la literatura debe adentrarse en ellos y explotar todas las oportunidades que le ofrecen. La reproductividad técnica es una herramienta, más que un enemigo del arte, cuando se logra aprovecharla de la forma adecuada.

 


Bibliografía:

Benjamin, Walter. La obra de arte en la época de su reproductividad técnica. Trad. Andrés E. Weikert. Monoskop.org. Itaca, n.d. Web. 24 septiembre 2014.
Berestain, Charles. L=A=N=G=U=A=G=E contraataca. Nuevo León: Universidad Autónoma de Nuevo León, 2013. Impreso.
---, Poetry and the performed word. New York: Oxford University Press, 1998. Impreso. 
Courtoisie, Rafael. Inicio. Courtoisie.weebly.com N.p. n.d. Web. 26 noviembre 2014.
De Campos, Augusto. “Poema-bomba ”. Uol.com.br. N.p. n.d. Web. 26 noviembre 2014.
Duttlinger, Colin. "Imaginary Encounters: Walter Benjamin And The Aura Of Photography." en Poetics Today. 29.1: 79-101. 2008. Web.  27 agosto 2014.
Perloff, Marjorie. Unoriginal genius: poetry by other means in the new century. Chicago: The University of Chicago and London,
2010. Impreso. 
Weintraub, Linda, Shapiro, Ira y otros. Art on the age and over. China: Eberest Printing, 1996.

 

 

Ilustraciones:

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Carla Cohen (Ciudad de México, 1995). Estudia Literatura Latinoamericana en la Universidad Iberoamericana. Forma parte del Seminario de Poesía a cargo de Juan Alcántara, Tania Favela y Alethia Alfonso. En enero de 2014 colaboró con la revista Fernanda de Grupo Medios. Ha publicado en la revista estudiantil El Buu. Actualmente prepara textos que se publicarán con un colectivo formado por Fernando Ramírez Serrano, María Eliza Schmidt y Joaquín León.